Entrevista a Sila Estigarribia

diciembre 5, 2011 § Deja un comentario

 

Reflejo en riacho chaqueño, óleo sobre lienzo, 142 x 96 cm., 2006.

 

Si las propuestas pictóricas –en general- no son muy frecuentes  en el panorama de nuestras artes plásticas actuales, las opciones realistas  poco menos que constituyen prácticas “marginales” dentro del mismo.

La pintura que Sila Estigarribia  ahora  presenta (2008, Asunción)  ofrece  una oportunidad para considerar el punto de vista de un exponente  de esa práctica  localmente “marginal” (¿o marginalizada?)

Desde allí podrían formularse preguntas:  ¿Qué podría hoy aportar la opción pictórica realista?;  O ; ¿Cuál la relación entre oficio pictórico y el contenido?… O aun: ¿Cabe asignar a esta pintura protagonismo, ya que  se trataría de un medio que históricamente ha sostenido su condición de “banco de pruebas” representacional?…Probablemente no existan respuestas definitivas a estas preguntas, pero se  propone aquí el registro de un diálogo sobre las mismas.

 

¿Cómo ubicarías esta muestra en relación a la inmediatamente anterior, en particular, y a  las orientaciones  de tu trabajo, en general?

 

El desarrollo de una obra a pictórica es un camino de búsqueda en el cual hay aciertos y desaciertos.

En la anterior exposición, en el 2006, presente  trabajos  que fueron el resultado de un problema que me habia planteado: el de investigar aspectos del paisaje en Paraguay. Esto desde nuevos enfoques técnicos, como los colores más luminosos y tintas mas diluidas. Y fue un desafío, por varias razones. Antes no habia hecho paisaje (salvo esporádicamente) También porque en gran medida se trataba de un tema tabú, un genero maltratado, tanto técnica como conceptualmente, aquí, sobre todo, pero también en otros países.

Esto implico exigencias, ya que mi trabajo anterior siempre se genero -con bastante libertad – desde formas que yo mismo establecía, y en el caso del paisaje tuve que “apaciguar”  ese lado creativo, ya que en ese genero te encontras con una realidad exterior no controlable  (como en el estudio) y si bien poder agregar o sacar alguna cosa tampoco es posible cambiar radicalmente la composición.

Pero al mismo tiempo, gracias a eso se me abrieron nuevas posibilidades técnicas. En esta exposición, a partir de la incorporación del aprendizaje anterior, deseé volver nuevamente a aquella libertad expresiva anterior.

 

Al inicio de los 90’s, desde el lenguaje pictórico –ya que también te habías dedicado a otros medios- ,  planteabas obras de filiación abstracta; Incluso –durante tu estadía en el Brasil- y para usar tu propia expresión, obras basadas “en lo gestual  e intuitivo de la práctica pictórica”.  Desde allí; ¿ a que razones se debería tu giro hacia planteos mas  figurativos (o aun abiertamente realistas)?

 

Hace 25 (¿o 26?) años que expongo y es cierto que durante los primeros 5 o 6, mis orbas pudieron totalmente abstractas. En ese entonces creía que por medio de la abstracción podría indagar en ciertos aspectos intemporales y trascendentes de la pintura (en la línea de las postulaciones ya clásicas de Klee, Kandisnsky y otros)

Pero ocurrieron dos cosas que cambiaron aquello. La primera  -data de 1998- cuando Carlos Siclier, un pintor muy  respetado en Brasil –hoy desaparecido-  al conocer mi trabajo,  me sugirió que lo plantease  desde la figuración. Incorporé su sugerencia, porque se trataba de una persona con mucho criterio y me parecieron validas sus observaciones sobre mi trabajo.

La segunda fue que en ese tiempo comprendí que el arte abstracto –en gran medida- es una expresión bastante narcisista, en donde  el artista sólo mira a su yo creativo que se refleja en su obra: Al margen ni de mirar ni de intentar comprender otras realidades importantes que le rodean.

Fue esta concepción la que me alejó de la abstracción, ya que deseaba avanzar en otras indagaciones  sobre el tiempo y el espacio que me rodeaban. Esto es: consideré que si fuera capaz de observar otros elementos que me rodeaban (animados e inanimados) esto permitiría aproximarme mas eficazmente a la problemática de esos elementos, de comunicarme con ellos. Así la pintura dejaría de ser un juego narcisista,  un espejo de mi yo interior o de mi impulso creativo. El narcisismo tiene sus limites y esta muy relacionado con el individualismo,  que no te da la posibilidad de entender otros niveles de conciencia.

Debo aclarar que haya desechado la abstracción totalmente: en mi obra convive lo figurativo y lo abstracto. Tampoco me opongo a la abstracción en general y en un sentido absoluto; Estoy hablando de mi propio proceso.

En este planteo para mi  nuevo -figuración/realismo- aparecieron luego elementos nuevos, simbólicos –metáforas visuales las denominaría- que llevaron a obras como la que obtuvo –en 1998- el Primer Premio del Jurado en la Bienal Internacional  del Cairo. Considero este premio como un hito en mi carrera; Mas aun considerando que en ese momento estaba trabajando en la embajada de Paraguay en París y no tenia muchos estímulos artísticos.

 

¿Cómo te parece que la técnica –sino  como fin en si mismo, como un elemento central en tu trabajo- se relaciona o condiciona la significación de tu propuesta?

 

Antes que nada quisiera comentarte que  no existe –desde hace décadas- una tradición pictórica en Paraguay (como la que existe, por ejemplo, en el Río de la Plata) No se han cultivado los conocimientos del medio pictórico (esto es, su técnica) en las ultimas 4 décadas.

Y aun entre los artistas que operaban en Paraguay circulaba la afirmación de que era fundamental tener un estilo propio en las obras. Para mi esto es falso si es que no se tiene el conocimiento y el dominio técnico necesario.

Tener un estilo sin tener un conocimiento del oficio es contraproducente, ya que  la obra tenderá a repetir continuamente la misma formula, la misma estética, incluso –incapaz de avanzar- correrá el riesgo de volverse meramente decorativa.

En el universo todo avanza continuamente, y así debería ser la obra de los artistas. Este sería el lugar esencial de la técnica, ya que no existen limites para la investigación sobre la imagen; Sea en la esfera formal o conceptual.

Además, hablando de la técnica, parece interesante citar que existe una velada interrelación alquímica entre la vida personal del artista y el avance técnico de la obra que produce.

 

¿No seria igualmente peligroso el otro extremo: reducir la obra a un expediente técnico?

 

Es un riesgo real, pero la técnica es un instrumento, esta sujeta a la expresión. Si se antepone a la expresión no se podrá acceder a ningún espesor del significado, que constituye el fin del arte.

 

Considerando el “estado de cosas” actual, tanto en lo que se refiere a una tradición referencial-mimética,  extensamente explorada (la representación pictórica realista); así como el extenso empleo y/o disponibilidad de medios mecánicos para  consumar dichos fines “referenciales” ¿Qué cabria agregar a lo ya dicho desde un planteo pictórico como el tuyo?

 

Desde 1996 al 2007 viví en Paris, y pude comprobar que en el realismo existen verdaderos maestros contemporáneos, cuya obra tiene la capacidad de expresar la compleja realidad del ser humano actual. Artistas  aquí poco conocidos (sin contar a los de la tradición figurativa anterior, como Bacon o Freud) con propuestas que distan mucho del agotamiento: Por el contrario, esta practica esta viva y con propuestas muy claras; Una pintura que, apoyada en la tradición, al mismo tiempo va mas allá de esa tradición de la historia del arte.

En  cuanto a lo que yo mismo podría aportar, no propondría ningún “programa” especifico. En este momento pretendo profundizar con sinceridad el desarrollo  de mi trabajo,  que a su vez es un compromiso con el sentido de mi vida, ya que para mi la pintura es un llamado.

Pero quiero agregar que la pintura es una actividad solitaria, al margen del sistema, de todos los sistemas y que en ultima instancia se remite a lo absoluto: No a tal la cultura o tales exigencias sociales, coyunturalmente entendidas. La pintura propone un contacto con el no tiempo.

 

¿Propondrías una pintura exterior al tiempo, aun que ésta remita siempre a la historia?…

 

Sin duda, la impronta temporal esta marcada, pero la trasciende. Por ejemplo: Un Rembrandt (del XVII ) te trasmite algo relacionado con el no tiempo; comunica  la fuerza que tiene la pintura de trascender esa temporalidad especifica de su contexto.

 

 ¿Cuáles fueron tus inquietudes  e intenciones, tanto técnicas como en lo que refiere a los contenidos que desearías transmitir desde las obras?

 

Quizás proponga una estrategia de contraste o de complementación entre los componentes de los cuadros; relacionada con la problemática tiempo/espacio que antes mencionara. En esta exposición, los elementos que aparecen en los primeros planos tienen definido el tiempo y el espacio, son objetos concretos y “realistas”. No así el fondo -soporte de esas figuras, que generalmente es abstracto-; Este fondo estaría fuera del tiempo y espacio. Deseé desarrollar esta relación (y lo que podría significar): La interacción entre tiempo/espacio (conjeturables) con otro no-tiempo y no-espacio. Obviamente, no se puede escapar de la intencionalidad; en este caso ligada  a la relación mencionada y a otras que existen entre la representación y la significación en la pintura. No entiendo a la pintura como descriptiva y de allí me intereso por una doble lectura de la misma. Una doble lectura que debe ser inducida por la sensación. Se puede leer una pintura desde un punto de vista –digamos- teórico, pero hay otras lecturas. Y las figuras que aparecen en un cuadro remiten a la emoción pictórica subyacente, que va mas allá de los elementos formales del cuadro, que resultan un vehiculo o pretexto. El cuadro es un mundo cerrado, donde cada elemento es puesto al servicio de la una significación, a su vez derivada de la atmósfera pictórica de la obra._______________________________

Agosto de 2008.

 

 

 

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